Upgrade

AÑO: 2018
PAÍS: Australia
DIRECTOR: Leigh Whannell
GUIÓN: Leigh Whannell
FOTOGRAFÍA: Stefan Duscio
REPARTO: Logan Marshall-Green, Betty Gabriel, Harrison Gilbertson, Benedict Hardie
GÉNERO: Ciencia Ficción

 





PUNTUACIÓN

Muy Buena

Upgrade nos muestra un mundo en el que las personas son cada vez más dependientes de la tecnología y la inteligencia artificial. Prácticamente todo esta automatizado, las personas ceden el volante de sus automóviles a las inteligencias artificiales con toda tranquilidad, las casas prácticamente se administran y abastecen por si solas. Dependiendo del poder adquisitivo de cada persona, claro está.

Grey Trace, es un aficionado a los automóviles clásicos y se dedica a reparar y vender este tipo de automóviles. Siempre se ha mostrado reticente a tener que depender en exceso de las tecnologías. Se siente más seguro sabiendo que él tiene el control de todo, de su casa y de su vida, prefiere sentirse útil.

Grey y su esposa tienen un brutal encuentro con unos delincuentes quienes asesinan a su esposa y dejan muy mal herido a Grey dejándolo tetrapléjico. Algunos meses después recibe la visita de Eron Keen, un cliente a quien le ha vendido autos deportivos y quien además se trata de un genio de la tecnología quien le ofrece una posible solución para su condición. Se trata de un procedimiento experimental el cual consiste en implantar un chip de inteligencia artificial de última generación llamado STEM que le dará la posibilidad de recuperar la movilidad de su cuerpo.

Una vez que Grey recupera la movilidad de su cuerpo se dará cuenta que después de todo no estaba tan equivocado al sentir preocupación por ceder el volante de su automóvil, ahora se encontrara en la necesidad de ceder el control de sí mismo si quiere salir con vida mientras busca a los asesinos de su esposa.

Es difícil catalogar a Upgrade en un género en particular. Lo más fácil sería decir que es una película de ciencia ficción. Pero definitivamente se nutre de muchos otros géneros de manera muy correcta o mejor dicho casi perfecta, tratándose de una película de corte independiente producida por Blumhouse Productions quienes ya nos han regalado joyas como Get Out (Jordan Peele) y Split (M. Night Shyamalan), así como las sagas Insidious y The Purge. Son fácilmente perceptibles, en mayor o menor medida, géneros como el terror, el tecno thriller, el cine negro policíaco, el cine de acción y unas pinceladas muy bien plasmadas de humor. Se nota la influencia de películas como Robocop (la más obvia) y Blade Runner. Claro todo dentro de los presupuestos de una película independiente.

Como ya es costumbre en varias películas de Blumhouse Productions tomas los elementos de cine de género (terror, Ciencia Ficción, etc.) para incluir un pequeño discurso de algún tema de la actualidad como ya lo vimos en Get Out sobre el racismo. Por fortuna esta productora lo hace muy bien pues a pesar del tema que quiere plantear no se olvida que esto es una película y debe entretener. El tema tratado en Upgrade es directo y sencillo, la tecnofobia y la dependencia de la tecnología hoy en día, así de sencillo. Lo logra muy bien, sin caer en lo pretencioso y entregando una película muy entretenida llena de momentos de acción.

Por ultimo un dialogo de la película:
STEM: No tiene sentido que los humanos funcionen mal de forma deliberada.
Gray Trace: Sí, eso se debe a que tus recuerdos están llenos de unos y ceros, amigo, y nuestros recuerdos están llenos de todos los errores que hemos hecho.

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PLANETARY - El Cómic hecho arte

PAÍS: USA

PUBLICA: Wildstorm

EQUIPO CREATIVO: Warren Ellis (Escritor), John Cassaday (Dibujante), Laura Martin (Colorista)

CALIFICACIÓN:

A pesar de considerarme un fanático de cómics, son pocos los que han dejado una marca indeleble en mi persona, aquellos que recuerdo haber leído primero rápidamente por el mismo placer en sí y después volverlo a tomar para disfrutar de una manera más tranquila los múltiples niveles y detalles que en aquel primer momento se escaparon. Uno de estos cómics es PLANETARY.

Escrita por Warren Ellis y dibujada magistralmente por John Cassaday, este cómic cuenta una historia fantástica en donde se plantea que pasaría si el verdadero conocimiento estuviera siendo administrado por un grupo totalitario, y nosotros, el resto de la humanidad, únicamente tuviéramos en nuestras manos un mínimo porcentaje de aquel.

Es en este escenario en donde entra la organización PLANETARY, un grupo con fondos casi ilimitados cuyo único propósito es el de regresar a la humanidad el conocimiento que les pertenece por derecho.

Para dicho fin, se forma un equipo de campo compuesto por Elijah Snow, uno de los tantos llamados Hijos del Siglo XX, nacido el 1 de enero de 1900 y con habilidades para controlar el frío a su alrededor; al principio de la historia, Elijah se encuentra en el exilio y sin memoria, hasta que es reclutado por Jakita Wagner, una metahumana con fuerza, velocidad y resistencia aumentada y por The Drummer (de nombre "The" y apellido "Drummer") quien puede leer el flujo de información que lo rodea y comunicarse y controlar aparatos electrónicos.

La contraparte malvada de PLANETARY lo forman el equipo conocido únicamente como The Four, formado por el equivalente a los 4 fantásticos de Marvel pero con un tinte mucho más "realista", por ejemplo, la mujer de este equipo necesita llevar puesto unos googles que le impiden quedar ciega al volverse invisible y no recibir la protección natural de los párpados.

El número 1 de este cómic fue lanzado originalmente en septiembre de 1998 con planes para ser una mini serie de 24 episodios, pero por conflictos de tiempo tanto de Ellis como de Cassaday la serie se extendió hasta octubre del 2009 con un total de 27 capítulos.

PLANETARY es una obra de arte contemporánea, muy recomendable para fanáticos y no fanáticos de este medio, ya que la historia es auto contenida e independiente. Actualmente la puedes encontrar en formato de trade paperback o por medios electrónicos alternos

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The cabin in the woods - Cuando pensaste que conocías la historia.

AÑO: 2011

PAÍS: USA

DIRECTOR: Drew Goddard

GUIÓN: Joss Whedon, Drew Goddard

REPARTO: Kristen Connolly, Chris Hemsworth, Anna Hutchinson, Fran Kranz, Jesse Williams

GENERO: Horror- Suspenso

CALIFICACIÓN: 

OJO, ESTA RESEÑA CONTIENE SPOILERS, Te recomiendo ver primero la película.

Desde la primera escena que vemos en esta película se nota el toque de Joss Whedon en el guión, su obsesión por elaborar lineas largas de conversación entre personajes que nos obligan a identificarnos con ellos percibiéndolos como personajes multidimensionales es una de sus principales marcas desde que escribía Buffy, y en esta ocasión, nos sirve para introducirnos a una cinta de horror para nada convencional.

Como el titulo lo sugiere, todo sucede en una cabaña en el bosque, escondida y alejada del resto de la civilización, en donde 5 jóvenes deciden pasar un fin de semana lleno de excesos y placer, solo que lógicamente el resultado dista mucho de lo esperado.

Si la trama les suena como el 80% de las cintas de horror de genero slasher es muy a propósito, ya que los escritores decidieron tomar el mayor número de clichés para darles un nuevo enfoque, y ¿porque no?, hasta una posible explicación a todas las cintas de terror.

Todo este tiempo, las muertes de cientos y cientos de jóvenes alrededor del mundo a manos de fuerzas sobrenaturales, han servido como sacrificios para calmar a una entidad capaz de terminar completamente con la humanidad, todo había transcurrido sin complicaciones y eficazmente controlado por una corporación misteriosa (siempre debe de existir una corporación misteriosa) hasta la llegada de este grupo en particular.

El último tercio de la película se convierte en un festín de sangre y vísceras para los fanáticos de este genero y culmina con la aparición de una Sigourney Weaver en el papel de la mente maestra tras todo esto.

Me gusto mucho la cinta a pesar que los primeros minutos son algo lentos, pero mi fanatismo a Whedon me mantuvo expectante a lo mejor, que siempre lo reserva al final.
Se agradecen las referencias y homenajes a personajes iconicos del cine de horror y créanme que más de una vez tendrán que pausar la cinta para observarlos con mayor detenimiento.
Recomiéndenla a alguien que ni siquiera ha visto su trailer, imagino que la disfrutaran bastante.

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The Double

AÑO: 2011

PAÍS: USA

DIRECTOR: Michael Brandt

GUIÓN: Michael Brandt

GENERO: Acción, suspenso

PUNTUACIÓN: 

Tengo un serio problema con Topher Grace, este tipo siempre será Eric Forman para mi, y cada que termina de decir alguna linea en cualquiera de sus películas me quedo esperando las risas grabadas en el fondo que claro, nunca aparecen y hasta ese momento me doy cuenta que no estoy viendo un capitulo mas de That 70's show... muy buen show por cierto, en fin, Topher Grace protagoniza este thriller policiaco con tintes de acción junto con el veterano y muy golpeado por la vida Richard Gere, en donde ambos unen sus talentos para tratar de encontrar al mítico asesino serial conocido por la CIA como Cassius.

Bueno, para empezar, el guión de esta cinta nos pretende sorprender con sus revelaciones inesperadas, pero falla desde el primer intento, es exageradamente predecible, a partir de este gran defecto la historia pierde toda credibilidad y se convierte en una parodia de si misma, en donde pareciera que los mismos personajes son imbéciles o deliberadamente ignoran lo obvio.

Lo que nos lleva a las actuaciones... bueno, primero tenemos a Richard Gere, el maestro en el arte de mantener la misma expresión facial al trasmitir una variedad de emociones y a mi querido Eric Forman, quien aparentemente abandono a Donna y se caso con la Dra. Adams de House, sinceramente no se a quien se le ocurrió que este par pudieran interpretar a unos agentes rudos o peor aún, agentes rudos e inteligentes.

Afortunadamente The Double es corta, y no estira mucho una trama que no tiene absolutamente nada de congruencia, véanla solo cuando la pasen por Cinema Golden Choice. 

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La casa muda

AÑO: 2010

PAÍS: Uruguay

DIRECTOR: Gustavo Hernández

GUIÓN: Oscar Estévez

REPARTO: Florencia Colucci, Gustavo Alonso, Abel Trinaldi
FOTOGRAFÍA: Pedro Luque

GÉNERO: Terror

PUNTUACIÓN:

La casa muda está basada en hechos reales ocurridos en Uruguay en 1944. Por lo menos así podemos leer al principio de la película. Se trata de un filme de terror uruguayo que relata la historia de Laura y su padre Wilson  quienes son contratados para trabajar en la restauración de una vieja casona en medio del campo. Néstor es el dueño de la casa y quien los contrata, pues quiere venderla lo más pronto posible. Todavía no han pasado mucho tiempo en la casa cuando Laura escucha un ruido estrepitoso que parece venir del exterior y se va intensificando hasta el grado de escucharse en el interior de la casa, exactamente en el segundo piso. Mientras su padre sube a inspeccionar el extraño ruido Laura escucha los gritos de su padre desde la estancia. Ahí comienza una aterradora odisea para tratar de averiguar qué es lo que se oculta en la casa.

Hay algo extraordinario en la película que me impulsó a verla. Fue grabada con una cámara fotográfica, exactamente con la Canon EOS 5D Mark II, obteniendo un resultado magnifico en cuanto a fotografía, utilizando el estilo de "cámara en mano-held" parecido a REC o Actividad Paranormal pero con la diferencia de que en este caso la cámara no forma parte de la historia exactamente, en otras palabras, no está siendo manipulada por alguno de los personajes.

El director Gustavo Hernández logra recrear la tensión y los momentos de horror perfectamente, mucho mejor que en películas como Actividad Paranormal, la cual me parece de lo más sosa y aburrida. Lo que ayuda mucho a la película es sin duda todo lo relacionado con el trabajo técnico y la dirección, la fotografía, iluminación y el uso maravilloso que hicieron de la cámara. Pedro Luque, encargado de la fotografía, crea un efecto fantástico al hacer creer que la película está filmada en un solo plano de secuencia, ya que en realidad fue filmada en cuatro días. La mayor parte de la película, la cámara se comporta como un espectador omnipresente, si es que así se le puede llamar, pero en momentos cambia e interactúa dentro de la historia comportándose como la visión de alguno de los personajes, ese efecto es muy plausible tomando en cuenta los bajos recursos y sobretodo que lo hace de manera continua, es decir, sin realizar un corte en la escena.

Del lado débil de la película está la historia en sí, aunque la primera mitad va bastante bien teniendo varios momentos de verdadero terror y tensión, se cae al final cuando se va develando el secreto que hay detrás de la casa, en lo personal lo sentí confuso y poco creíble. Otro factor que le resta puntos son los personajes bastante planos e inverosímiles, no culparía a los actores pero se vio que faltó trabajar más en el guión y sobre todo en la construcción de los personajes. Independientemente de eso, el final que hay tras los créditos me pareció muy bello.

Una película de terror latinoamericana digna de tomarse el tiempo para verla. Ahora existe un remake norteamericano titulado Silent House y protagonizado por Elizabeth Olsen hermana de las famosas gemelas Mary-Kate y Ashley Olsen. No la he visto, así que no puedo hablar mucho de esa versión pero supongo que no distará mucho de la original salvo los actores, el idioma y los recursos mayores con los que disponen en Norteamérica, a pesar de ser un filme independiente. Sin embargo y basado en mi experiencia, yo siempre recomiendo ver la versión original antes de ver la versión más sofisticada o de mayores recursos.
 

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Hell - 2016: Das Ende der Nacht (2016: The End of Night)

AÑO: 2011

PAÍS: Alemania

DIRECTOR: Tim Fehlbaum

GUIÓN: Tim Fehlbaum, Oliver Kahl, Thomas Woebke

REPARTO: Hannah Herzsprung, Lars Eidinger, Stipe Erceg, Lisa Vicari
FOTOGRAFÍA: Markus Förderer

GÉNERO: Suspenso – Post Apocaliptico

PUNTUACIÓN:

Ambientada en un futuro post apocalíptico donde la capa terrestre que ha protegido la tierra de la radiación solar ha desaparecido a casusa de una tormenta solar que ha convertido la tierra en un planeta prácticamente inhabitable, un completo desierto de altas temperaturas que ha obligado a los pocos sobrevivientes a vivir de noche y tener que cuidarse del día, protegiéndose los ojos de los segadores destellos del sol y cubriéndose la piel para evitar daños por culpa de los intensos rayos solares.

 Se trata de una roadmovie post apocalíptica más, de manufactura alemana. Al igual que este tipo de películas seguimos a un pequeño grupo de supervivientes conformados por María, su hermana pequeña Leonie y Phillip quienes se dirigen en su auto a las montañas tratando de buscar agua y comida. Por el camino se topan con un mecánico llamado Tom con quien tienen un enfrentamiento en un principio pero después se une a ellos en su travesía por ese mundo desértico lleno de cadáveres de animales, campos de cultivo estériles, sin una gota de agua en kilómetros. Pero como es común en este tipo de películas no pueden estar a salvo en las carreteras y deben enfrentarse a un grupo de personas que están tratando de cazarlos, quienes les preparan una emboscada. Justo ahí comienza su carrera por sobrevivir al peor de los males, el “hombre salvaje”.

Bien, he visto muchas películas que plantean este tipo de escenarios, unas muy buenas como Stake Land o Mad Max, otras no tan buenas como El libro de Elis, y otras malísimas que no vale la pena mencionar. Pero lo que me llamó la atención de Hell es que se trataba de una producción alemana. Es por eso que me entró la curiosidad de ver cómo sería la visión alemana de un mundo al borde de la extinción, después de ver tantas producciones estadounidenses. Debo decir que me decepcionó un poco ya que no presenta nada nuevo para el género pero no voy a decir que está mal hecha, todo lo contrario, simplemente digo que si fuera la primera vez que veo una película de este tipo entonces la consideraría excelente, salvo por su ritmo tan lento que la hace un poco pesada por momentos.

Para los que gustan de este tipo de película creo que la encontraran entretenida y sería bueno que se tomaran el tiempo para hacharle un ojo.

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Battleship - Batalla Naval

AÑO: 2012

PAÍS: USA
DIRECTOR: Peter Berg
GUIÓN: Erich Hoeber, Jon Hoeber
REPARTO: Taylor Kitsch, Brooklyn Decker, Alexander Skarsgård, Rihanna, Liam Neeson
GENERO: Acción/Ciencia Ficción

 PUNTUACIÓN: 

Para amantes de los efectos especiales

 Por: Miguel Mora
 

Creo que tiene una gran mérito intentar hacer una película de 2 horas basada únicamente en un juego de mesa en donde la premisa es adivinar la posición de la nave rival para hundirla, pero ademas, lograrla hacerla entretenida es aún más difícil, y en esta ocasión se lograron ambos propósitos.

Battleship nos cuenta la llegada (por millonesima vez) de una raza alienigena a la tierra con el fin de, adivinaron, destruirla... bueno eso creo, porque en realidad el guión no se toma la molestia de explicarnos cuales eran sus intenciones, y para su mala suerte llegan justo el día de una importante exhibición de barcos de guerra de la marina de los Estados Unidos (disculpen si no ahondo en los detalles pero créanme que no son importantes) es aquí cuando nuestro héroe queda atrapado, debe madurar de manera express y lograr su máximo logro salvando a nuestro planeta.

Siendo sinceros, la historia es de los mas simplona y hasta predecible, sin embargo esta contada de una manera tan dinámica que llega a hacerse entretenida, con algunos momentos que me hicieron en realidad emocionarme.
Ignoro si las ventas del juego de mesa habrán logrado elevarse después de la película pero a me dieron ganas de echarme un jueguito al terminar de verla, por cierto, hay varios guiños al juego en la película, como las "bombas" que lanzaban los extraterrestres que eran idénticas a las fichas que se ponen sobre los barquitos, o la escena en donde la única manera de atacar es mediante coordenadas y a ciegas.

En cuanto a las actuaciones, Taylor Kitsch cumple, en un papel que no le exigió mucho; se nota que Liam Neeson solo fue a ganarse otros miles de dólares, y en su debut en cine Rihanna pues... es Rhianna, interpretando a Michelle Rodriguez.
Sale también Alexander Skarsgård, mejor conocido como el vampiro Eric en la serie True Blood y la modelo Brooklyn Decker como la novia de Kitsch.

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La última muerte

AÑO: 2011

PAÍS: México-Argentina

DIRECTOR: David Ruiz “Letxe”
GUIÓN: David Ruiz “Letxe”
REPARTO: Kuno Becker, Álvaro Guerrero, Carlos Bracho, Claudette Maillé
FOTOGRAFÍA: Juan José Saravia
GÉNERO: Thriller – Intriga – Ciencia ficción

 
PUNTUACIÓN:

La última muerte  nos plantea un futuro cercano, mientras seguimos la vida de Jaime, un psicoanalista con problemas de alcoholismo quien pasa por un inminente divorcio. Cuando Jaime se encuentra en su cabaña, a las afueras de la ciudad, un tipo desconocido le roba la camioneta, cuando intenta reportar el robo encuentra a un joven desnudo y herido cerca de su cabaña. Jaime decide ayudarlo pero cuando éste despierta, se da cuenta que sufre de amnesia. Decide llevar al muchacho a un hospital, pero se dan cuenta que su identidad no está registrada en el Banco Mundial de Información Personal. Cuando las autoridades  se enteran de la presencia del joven de inmediato comienza una persecución para lograr capturar al misterioso joven, al mismo tiempo que Jaime y un reducido grupo de amigos intentan averiguar su identidad, a pesar de que están poniendo en riesgo sus carreras, incluso sus vidas.

Se trata de una coproducción México-Argentina a cargo del director David “Letxe” Ruiz, quien ya ha demostrado su creatividad en el mundo del video musical.  Tras un sinfín de videos realizados para agrupaciones como Zurdok, Jumbo, Kinky, Resorte, La gusana ciega, entre muchos otros, y haber realizado un cortometraje (Volvo en un minuto), entra de lleno al largometraje de la mano de la productora mexicana Lemmon Films quien decidió apoyar el proyecto escrito por el mismo Letxe.

Hay que reconocerle algo a Lemmon Films, que aunque han dado un par de producciones nada buenas como Salvando al soldadoPérez, se han caracterizado por ser una productora arriesgada que siempre intenta producir películas que se salen del estereotipo del cine mexicano, incursionando en diferentes géneros como; comedia, acción, terror, drama y en el caso de La última muerte, el thriller y la ciencia ficción. Deciden apoyar a una persona creativa como David Ruiz “Letxe” o “Leche”, quien demuestra que tiene mucho talento que aportar al cine, lamentablemente se encuentra en un país con pocos recursos para lograr explotar todo su potencial, aun así, hace uso de todo lo que Lemmon Films puede poner a su disposición. 

La idea es bastante interesante, tiene elementos de suspenso que hacen de la película entretenida. Los efectos especiales estuvieron bien realizados, haciendo uso de los recursos y sin tratar de exagerar, salvo una pequeña escena en donde se vio que no les iba alcanzar, el resto fue bien hecho para recrear un futuro, que por cierto no es México. A pesar de las buenas ideas y del talento del director, al ser su primer largometraje no pudo evitar caer en ciertas fallas que hacen que la película se caiga por momentos. Empezando por el ritmo, de momento muy lento, sin decir mucho de los personajes ni de la historia, en lugar de haber empleado ese tiempo para trabajar más a fondo a los personajes. La imprecisión en el ritmo y la pérdida de tiempo durante la primera mitad de la película, que debió usarse para desarrollar de una mejor manera la trama, termina forzándolo a develar la identidad del joven y concluir la historia de una manera muy rápida y poco creíble. Otro de los fallos recae en los diálogos que suenan poco convincentes. Pero un punto a favor, aunque técnico, fue la decisión de grabar las voces aparte, debido a que muchas veces nos encontramos con un problema en el cine mexicano, la dificultad para entender lo que dicen los actores, ya que el volumen en el audio llega a variar durante las producciones haciendo molesta la experiencia. En este caso, al grabar nuevamente las voces, evitan cualquier problema de audio.

A pesar de los errores que puedan encontrarse en el filme de Letxe, podemos ver que tiene mucho potencial y estoy seguro que aportará mucho al cine mexicano en los próximos años, si es que no decide irse al extranjero. Esperemos que las productoras mexicanas sigan apostando por él.

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Acorazado

AÑO: 2010

PAÍS: México

DIRECTOR: Álvaro Curiel
GUIÓN: Álvaro Curiel (Idea: Alejandro Lozano)
REPARTO: Silverio Palacios, Laura de la Uz, Salvador Sánchez
FOTOGRAFÍA: Germán Lammers
GÉNERO: Comedia - Drama

 
PUNTUACIÓN:

Recomendable

Silverio es un sindicalista veracruzano que, debido a la situación económica que vive y por la continua petición de uno de sus compañeros, decide cambiar radicalmente su vida. El plan es navegar en una balsa construida por él mismo para tratar de llegar a las costas de la Florida en Estados Unidos, hacerse pasar por un ciudadano cubano, y así pedir asilo político valiéndose de la ley de ajuste cubano. Tras analizar la situación decide seguir el arriesgado plan de su viejo amigo, es así que convierte su antiguo taxi en una balsa y salta a la mar con la esperanza de llegar antes de que la guardia costera lo atrape. El osado y mal calculado plan sale terrible. Silverio termina llegando a las costas cubanas.

Acorazado es una divertida película que va de la comedia al drama, haciendo una experiencia muy disfrutable pero con ritmo impreciso y ciertos fallos que le restan bastantes puntos. Cuenta con una premisa que de entrada suena muy interesante y con mucho potencial cómico y político pero que lamentablemente, varios desaciertos terminan afectando el resultado final.

La primera parte, alrededor de 25 minutos, es bastante lenta sin aportar nada a la historia, salvo ciertos momentos de humor. Podría decir que la película inicia hasta el momento en que el protagonista llega a Cuba, ahí comienza la mejor parte de la historia, uniéndose el humor con el drama.

Se trata de una breve mirada al modo de vida en cuba, la visión que tienen del mundo exterior, especialmente del capitalismo, algunos ciudadanos cubanos. También aborda, a modo de crítica, los malos conceptos y prejuicios que se tienen hacia el sistema político, y el estilo de vida en cuba. Nos muestra tanto lo bueno como lo malo, ciertas injusticias y diferencias sociales que padecen algunos ciudadanos, pero resaltando la unión que tienen como sociedad. También se siente un poco la crítica hacia el individualismo y la necesidad de ponerle precio a todas las cosas y el concepto de la propiedad tan fuerte en el capitalismo. La película de Álvaro Curiel no trata muy a fondo estos temas políticos, se mantiene en la superficie y no arriesga más allá, como mencioné solo se trata de una pequeña mirada, es por ello que no es algo que se le tenga que exigir además de tratarse de una comedia.

Lo puntos bajos de la película serian los primeros 25 minutos que resultan muy flojos. Además del final que deja mucho que desear, ya que te sientes como si después de tanto no llegaste a nada. Lo bueno es la historia, más bien la idea que se tenía para ella, también cabe resaltar la jovial y divertida actuación de Silverio Palacios quien logra ir de la alegría a la desesperación y a la tristeza cuando es requerido, regresarle la dignidad a su personaje, la transformación que alcanza al final de su travesía y así conseguir conmovernos.

Una producción con fallos, pero aceptable y que merece la pena recomendar.

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Anonymous - Anónimo

AÑO: 2011

PAÍS: Reino Unido

DIRECTOR: Roland Emmerich
GUIÓN: John Orloff
REPARTO: Rhys Ifans, Vanessa Redgrave, Joely Richardson

FOTOGRAFÍA: Anna J. Foerster
GÉNERO: Drama – Intriga

PUNTUACIÓN:

  

Anonymous navega con bandera blanca, mejor dicho, de “tiro al blanco”, a la espera de los dardos más filosos y envenenados de la crítica despiadada, en este caso, no tanto de la crítica cinematográfica sino de la literaria, al atreverse a contar una de las tantas teorías acerca de la verdadera autoría de las obras firmadas por el multicelebrado y aclamado dramaturgo inglés, William Shakespeare. Aunado a esto, está la presencia del poco respetado director Roland Emmerich, quien ya está acostumbrado a la lluvia de críticas desde antes de iniciar a filmar alguna de sus películas. Hay que aceptar que no están de más algunas de esas críticas, ya que ha sido el creador de varios trabajos, que aunque han gozado del éxito taquillero, la verdad solo se han tratado de malas y sosas producciones para el gran público como, Día de la independencia,  El día después de mañana, 10 000 a. C. y más recientemente 2012.

Emmerich se olvida de cualquier prejuicio que pudiese  caer sobre él y se arriesga a contarnos una de las versiones más reconocidas por los detractores de Shakespeare, quienes han sostenido que no es el autor de aquellas maravillosas obras de la literatura universal, pero tan criticada por historiadores y estudiosos de la vida y obra del escritor quienes defienden la autoría de Shakespeare.

La versión que nos cuenta la película es la que acredita como el verdadero autor a Edward de Vere, Conde de Oxford, poeta y autor teatral de renombre. Pero Anonymous va más allá de la polémica acerca de quién es el verdadero autor de las obras, aunque claro que por la manera en cómo el director nos presenta esta versión, como una verdad absoluta, le aseguró reclamos de parte de los académicos.

La historia nos relata la vida de Edward de Vere, y su lucha por presentar y mantener viva su obra en el teatro londinense, asumiendo el precio que debe pagar, el que ninguna de ellas llevará su nombre, debido a su posición social, la cual le traería conflictos con la corona. A la par, otras historias se van tejiendo en la trama; como la rebelión del Conde de Essex para hacerse con el trono, las acciones de un despreciable Shakespeare que asume la autoría de la obra sacando todo el provecho posible, la relación que une a la reina con el mismo Edward de Vere y la lucha política con los Cecil. El estilo de la narración, la cual se basa en saltos en el tiempo para mostrarnos diferentes etapas de la vida del conde de Oxford, así como la inclusión de varias tramas, hacen realmente atractiva la película y nos obliga a no perder ni un minuto de ella.

Olvidándonos de la controversia que generó por tocar a uno de los iconos ingleses de la literatura, y ciertos desaciertos históricos, que ya los historiadores no se han cansado de reprocharle, tengo que admitir que es una película estupenda, llena de intriga, con una estética visual asombrosa. Nos muestra el lado oscuro de la nobleza durante la Inglaterra del siglo XVI. Emmerich nos recrea un Londres lúgubre y podrido, a causa de esa nobleza ambiciosa de poder, llena de extravagancias y censura a las expresiones artísticas que osaban burlarse o criticar a la aristocracia de la época.

Este director siempre se ha valido del uso exagerado de los efectos visuales hechos en computadora, y aunque en este caso no fue la excepción ya que sigue haciendo uso de los mismos recursos, en Anonymous trató los efectos visuales como un elemento auxiliar, estético, para recrear los escenarios históricos y no como soporte para salvar la película como en otras ocasiones, apostó por trabajar más en el argumento, algo que siempre ha fallado en sus películas, contándonos subtramas que se van entrelazando para crear una maravillosa historia de intriga, ambición, lujuria, traición y poesía. Los diálogos toman un rol importante para el desarrollo de la historia y es un punto más a favor de la película que sigue subiendo peldaños gracias las excelentes interpretación de los protagonistas. Una producción redonda.

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REC 3 - Génesis

AÑO: 2012
PAÍS: España 
DIRECTOR: Paco Plaza
GUION: Paco Plaza, Luis Berdejo
REPARTO: Leticia Dolera, Diego Martin
GENERO: Gore/Comedia






PUNTUACION

Por: Miguel Mora

Me convertí en fan del trabajo de Jaume Balangueró y Paco Plaza desde que vi la primera REC en el 2007, una película de zombies grabada totalmente en un estilo, que por la época comenzaba a ser popular: en primera persona y fingiendo ser un documental real.

Regresé con gusto al cine a ver la segunda parte, que mantenía exactamente la misma formula de la original, solo que ahora Balangueró y Plaza comenzaban a mostrar una mitología en torno al origen de los zombies-poseidos, colocando a REC como una de las mas populares franquicias del cine de horror gore de España.

Ahora la dupla creativa se ha separado y Paco Plaza en solitario decidió, de cierta manera, expandir el universo REC con esta tercera entrega

La historia se desarrolla durante el día de la boda de ensueño entre Clara y Koldo, dos personajes entrañables debido a sus personalidades un tanto simplonas cuyo única motivación es amarse el uno al otro. Y es justamente ese amor el motor que mueve a la trama, ya que al verse separados durante el caos, el objetivo de cada uno es volverse a reencontrar a cualquier costo. Un punto a favor de la película es su corta duración, tan solo 80 minutos, que se sienten justos para no estirar innecesariamente una premisa sin demasiadas posibilidades.

En principio, el espectador debe saber que el "Génesis" que sirve como subtitulo a esta cinta no pretende explicar el origen de la historia de la niña Medeiros como muchos pudieran creer, sino que significa un nuevo origen a la franquicia, en donde su principal característica, la cámara subjetiva, es sustituida por la cámara tradicional. Además, Plaza, mediante algunos guiños demasiado sutiles, nos muestra que los eventos del edificio de las dos primeras partes suceden de manera simultánea a los hechos que aquí se narran, de ahí que se abra una inmensa puerta a futuras secuelas.

En sí, REC 3 no es una cinta de horror, se debería catalogar como comedia-gore, siguiendo bastante el tono a lo que Sam Reimi hizo con sus Evil Dead y Drag me to hell, o Zombieland de Rhett Reese y Paul Wernick, permitiéndose narrar la trama acompañada de chistes y múltiples situaciones que rayan en lo absurdo.

En conclusión, REC 3 es bastante disfrutable para un fan de los zombies, pero definitivamente no aportan nada novedoso al genero y bien se podría obviar dentro de la mitología de las anteriores.

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Stake Land - Tierra de Vampiros

AÑO: 2010
PAÍS: USA
DIRECTOR: Jim Mickle
GUIÓN: Nick Damici, Jim Mickle
REPARTO: Nick Damici, Connor Paolo, Danielle Harris, Kelly McGillis
FOTOGRAFÍA: Ryan Samul
GÉNERO: Terror




PUNTUACIÓN:
Muy buena

Stake Land es una de esas pequeñas joyas que se encuentran escarbando más allá de las marquesinas de los grandes cines, más allá de las grandes casas productoras. Sin contar con gran presupuesto ni con grandes personalidades de renombre en la industria que la respalden, logran crear una maravillosa pieza digna de las mejores del género en los últimos años, sin temor, me atrevo a decir que es, junto a Soy Leyenda, una de las mejores películas del género vampírico en los últimos 10 años, por lo menos. Lo logra no solo regresándonos a ese vampiro aterrador, violento, sin alma ni conciencia, aterrorizando a todos aquellos mortales que se cruzan en su camino. Además, lo combinan perfectamente con el género Post-apocalíptico, el de la Road Movie y una pisca del estilo Zombies, tres estilos que encajan perfectamente en la mezcla realizada por el director Jim Mickle y Nick Damici (en el guión).

La historia, en apariencia sencilla, que de hecho lo es salvo algunos aspectos, nos cuenta la vida de Martin, un chico que vive con sus padres tratando de sobrevivir tras la llegada de estos seres asesinos que han llevado a la raza humana al borde de la aniquilación. Un día se ven atacados por uno de estos vampiros, Martin intenta salvar a sus padres sin lograrlo, mientras él es salvado por un hombre a quien Martin llama Mister. Juntos intentan sobrevivir y dirigirse hacia el norte, a Canadá, donde saben que existe un lugar llamado Nuevo Edén libre de vampiros, pues creen que los vampiros no sobreviven mucho tiempo en el frio. Mientras tanto, Mister se encarga de entrenar a Martin en el nuevo oficio de “cazavampiros”, recolectando colmillos, ya que estos se han vuelto una moneda de cambio. Para lograrlo, no solo tendrán que lidiar con los vampiros sino además, deberán cuidarse de La hermandad, una mini sociedad ultrareligiosa que para sobrevivir en el nuevo mundo que les ha sido otorgado, se han organizado bajo nuevas reglas y políticas de sociedad, con la finalidad de mantenerse en pie y así reconstruir su nación. Ellos dominan gran parte de los caminos, robando, ultrajando y aplicando su justicia a todos los viajeros.

Como dije anteriormente, es una historia sencilla hecha de una manera extraordinaria, narrada por el mismo protagonista y con el más puro estilo de las Road Movies, contemplativa, paisajista, reflexiva, pero no por eso dejando de ser aterradora y entretenida en un escenario apocalíptico, algo totalmente distinto en este tipo de películas. Una digna película del género con novedades para el mismo, dentro de su narrativa más que en su argumento, el cual se mantiene limpio y sin pretensiones.

Ésta es la segunda película como director de Mickle, podremos augurar un buen futuro para él si se mantiene así. Se encuentra trabajando en lo que será su tercer trabajo como director, que llevará por título We Are What We Are, se trata de un remake de la excelente película mexicana de terror Somos lo que hay, una historia sobre una familia de caníbales.

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