NETFLIX... ¿Vale la pena?

Estoy a unos días de terminar mi periodo de prueba en Netflix, la plataforma de películas y series de televisión en linea que en septiembre cumplirá su primer año en México, y llegado este momento me encuentro con la difícil decisión de renovar o concluir con este servicio y me parece oportuno compartir mi experiencia con ustedes.

Una de las grandes ventajas de Netflix es su portabilidad, una vez suscrito se tiene la opción de utilizarlo desde múltiples plataformas, como el nintendo Wii, Playstation 3, XBOX 360 así como en iPod touch, iPad y iPhone o con terminales con sistema operativo Android, y por supuesto en computadoras corriendo Windows y OS X. Por lo tanto si comienzas a ver una película desde tu computadora en casa puedes continuar viéndola desde tu celular o tableta con conexión a internet exactamente desde el punto en donde la habías dejado.

 

Ademas el catalogo infantil es bastante amplio, y si tienes niños en casa te veras bastante beneficiado.

En cuanto a la interfaz podría decir que solo "cumple", ya que no es tan intuitiva y en cierta manera limita tus opciones, ya que te muestra muy pocas recomendaciones según los géneros que mencionaste como favoritos al momento de inscribirte.

Y aquí se refleja el punto débil de Netflix y es su pobre catalogo de estrenos. Si lo tuyo es ver las películas mas recientes disponibles ya en formato DVD o BluRay pero sin la necesidad de salir de tu casa a comprarla o rentarla entonces Netflix aún no es para ti, y recalco el "aún" porque se nota que la empresa conoce esta gran deficiencia del servicio y se encuentra trabajando en solucionarla, por ejemplo, este mes se estreno simultaneamente a la aparición del formato casero la cinta The Hunger Games.

Otra de las desventajas no tiene que ver con el servicio en si, sino con la velocidad de ancho de banda que maneja México actualmente, ya que si deseamos ver una película en Full HD en nuestra televisión tendremos que soportar laaaargos periodos de carga e interrupciones durante el trascurso de la misma.

Sin embargo, considero que el precio que maneja es realmente accesible para lo que aporta, son $99.00 pesos al mes con cargo a tarjeta de credito o debito.

Concluyendo, ¿Vale la pena o no?, me atrevo a decir que si, Netflix esta abriendo camino en un mercado muy conservador y renuente al cambio como lo es el mexicano, y estoy seguro que en cuanto las compañias de cine acepten el nuevo paradigma de distribución, el servicio se convertira en una real competencia a todos los video clubs que aún se niegan a desaparecer.

 

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Apuntes para vestir un estúpido disfraz de humano

Este año es el décimo cumpleaños de Donnie Darko. Película ambigua y hermética  cuyo homenaje no podría ser otro que la incomprensión fragmentaria

Por: Romash457

A)

La ciencia ficción es una tecnología. Traduce las tensiones sociales en relatos cifrados. Los ejemplos van desde la tríada del macarthismo, Ultimátum a la Tierra (1951), El pueblo de los malditos (1960), La invasión de los ultracuerpos (1956), hasta los zombis de Don A. Romero. Si Donnie Darko fue expulsado de cines antes de su estreno –y del gusto de la crítica- fue por culpa del terrorismo: al caer las torres gemelas, la psique generacional trasmutó hacia nuevos miedos. Osama mató la opera prima de Richard Kelly.

B)

El elemento más desconcertante es mera utilería re utilizada de otra década (el disfraz de conejo fue el mismo que se utilizó en Karate Kid). Frank es, un elemento sobrante de otra época que se convierte en parte central para una nueva generación. Frank el conejo es la paranoia que lastramos desde la guerra fría. Un elemento no resuelto. La profecía postergada de que, seremos atacados. En los 90´s esa paranoia seguía presente, tal cuál se vio con el éxito de Los expedientes secretos X. Si no puedes culpar a los invasores de otro país, culpa a los de otro mundo. El stress devino en la paranoia máxima: Frank, el ser extradimensional nos dice que aunque conozcamos nuestro destino, no podemos evitar nuestra destrucción. No podemos escapar de la fatalidad. Frank el conejo pudo ser explicación total de un nuevo siglo, pero pasó lo inesperado: se cumplió la profecía postergada y la estabilidad psíquica fue sacudida por dos boeing 747.

C)

Donnie D. es la reescritura del viaje que Dante emprendió a los infiernos y de los viajes alucinógenos (vía boleto peyote) de los beats al mundo de la tras conciencia. Donnie es la actualización de la fábula del viaje interior. Accede a los límites de la mente de la única manera que hoy podemos hacerlo: siendo unos enfermos esquizofrénicos.

D)

A Richard Kelly no le interesa Borges: sigue insistiendo en la posibilidad de una metafísica seria.

E)

Donnie Darko proveyó nuevos prefijos al cine de ciencia ficción. Antes que él, la teoría de los mundos paralelos era un medio para discutir otras cuestiones. El hombre y su destino, o la posibilidad de ser distinto. Ahora ya no son medios sino fines: las realidades alternas son un problema en si mismo. Los manuales de cine tendrán en su índice: época pre y post darko.

F)

Michel Houellebecq puede decir de D Darko lo que alguna vez dijo sobre la ciencia ficción: “En su gran período, la literatura de ciencia ficción podía hacer este tipo de cosas: realizar una auténtica puesta en perspectiva de la humanidad, de sus costumbres, de sus conocimientos, de sus valores, de su existencia misma; era, en el sentido más auténtico del término, una literatura filosófica”.

G)

¿Por qué existen las cosas? Es una de las preguntas de la metafísica de la cuál a veces se auxilia de Dios. Leibniz por ejemplo decía que este es el mejor de los mundos posibles. Dios creó la mejor versión posible. Cuándo se traslada la pregunta ¿Por qué existen las cosas? De la metafísica a la física, la cosmología y física cuántica contradicen a Leibniz: este no es el mejor de los mundos posibles, sino uno más entre el infinito multi-universo. Y es cuándo Donnie Darko especula sobre esta nueva realidad. Al conocer el futuro nos convertimos en lo que Donnie nombra casi al final de la película, en un Deus ex machina -una intervención inesperada de nuestro propio destino-. Lo que nos convierte en Dios. Lo que nos convierte en destructores del universo. Donnie Darko plantea una nueva paradoja: la realidad sólo es posible mediante una infinidad de posibilidades (universos) cohesionados en la incertidumbre. Si existiese una fuerza que cancelara la posibilidad de incertidumbre-El Deus ex machina, Dios – la realidad no podría existir. Donnie Darko es un ateísmo radical que le da la vuelta al pensamiento de Leibniz: la condición necesaria para que la realidad exista, es que no exista Dios.

H)

Lo que Donnie nos enseña es que nada puede escapar de lo predeterminado, y si conocieses tu futuro, el universo colapsaría. Tú y el universo son Uno, escapar de esas simbiosis devendría en el Caos. Donnie nos enseña que la única manera de vivir es el solipsismo.

I)

Gracias a Richard Kelly la ciencia ficción ya no es metáfora sino metonimia. 

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El ascenso del Dragón: Cine Asiático

Por: Fernando Alarriba

Desde las pasadas olimpiadas de Beijing 2008, llegó  un clamor que llevaba por lo menos cuarenta años gestándose. Movimiento sigiloso, constante y extremadamente sugestivo; con aire de revolución, olía también a rareza, a reliquia. Desde fuertes economías capaces de competir con los mercados mundiales más poderosos, pasando por la exposición, adaptación (y en algunas ocasiones, degeneración) de profundos sistemas médicos, filosóficos y religiosos, hasta el uso y creación de tecnología revolucionaria, el mundo asiático ha ido empapando paulatinamente a occidente. A nivel masivo, más allá de la presentación súbita, explosiva y bañada de euforia surgida del movimiento psicodélico de los años sesentas, la primera muestra completa del mundo oriental llegó a nosotros en manos del que fue el arte por excelencia del siglo pasado: el cine.

El Tigre y el Dragón

Hoy, se habla abiertamente de coproducciones entre Estados Unidos, países europeos y los principales exponentes del cine asiático: China, Japón y Corea del Sur; las cuáles cuentan con míticos actores de Hollywood como Robert De Niro Y Gary Oldman. Así mismo, enormes épicas como Mongol, revelan claramente las dimensiones que esta industria ha logrado alcanzar en cuanto a presupuestos y ganancias. En apariencia, películas como El tigre y el dragón, Ringu, o las cintas de acción de Jackie Chan y Jet Li han sido los parte aguas para que el cine asiático sea relevante en las carteleras de todo el mundo. Nada más lejano a la realidad.

Ni el poder económico, ni los recientes éxitos comerciales nacidos de rimbombantes producciones multinacionales han sido las raíces del ascenso del dragón: obras arriesgadas, marcadas por intensos juegos narrativos, complejas tramas, personajes exuberantes, estéticas siempre propositivas, temáticas que atrapan, perturban, conmueven, divierten y generan profunda reflexión son solo algunos de los elementos que han convertido al cine oriental en algo profundamente influyente y digno de ser considerado como la actual vanguardia del séptimo arte.

Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring

Durante los años cincuentas y sesentas, se dio en el cine asiático la exposición de usos, costumbres y tradiciones. La misión era expresar las emociones con enorme intensidad, incluso con exageración; ser fieles a una estética casi sagrada que habla del enorme arraigo cultural de estos pueblos. La intensidad y fuerza en las tramas, productos de su historia nacional marcada por la violencia y constantes guerras; la paz, armonía y respeto que nace de una identidad religiosa en la que el hombre es solo parte dentro un conjunto más grande.

Dos décadas después, viene el desbordamiento a través del deliro, de la imaginación desenfrenada, de monstruos, naves espaciales, actuaciones que rebasan el expresionismo y se vuelven risibles: el cine de ciencia ficción y terror muestran la inmensa creatividad y la temeridad para llevar acabo cualquier idea. Al mismo tiempo, el cine de artes marciales a través de su mística, acción y peligro reinventa el western, pero aquí las ráfagas las desprende el cuerpo.

El Viaje de Chihiro

En apariencia, para finales de los ochenta, la industria oriental está acabada, pero el fenómeno del animé toma todos los elementos anteriores y los lleva a un grado de síntesis y perfección que probablemente los recursos cinematográficos no podrían haber logrado por sí solo en ese momento. Sin embargo, lo que antes fue veneno es transformado en medicina: el patetismo y exageración en las emociones se vuelve elemento imprescindible, la violencia continúa siendo fundamental; y el sexo, que generalmente aparecía como alusión o simple broma, es ahora un elemento de la condición humana que vale la pena exaltar.

Oldboy

De esas raíces, el árbol ha crecido hasta convertirse en algo múltiple, extravagante, seductor y tremendamente influyente; solo basta ver que algunos de los grandes maestros del cine contemporáneo, como Martín Scorsese y en especial Quentin Tarantino hayan partido del trabajo de los maestros orientales para algunas de sus mejores películas. La violencia, el carácter exagerado, subversivo e imaginativo del cine asiático pueden ser su sello más fácil de captar.

Heroe

Pero existe otra faceta, más pausada, reflexiva y poética, que igualmente ha sido parida en el extremo asiático: en ésta, los personajes emprenden viajes de autodescubrimiento que los llevan de bellos pero efímeros momentos de realización, a exploraciones destructivas nacidas del tedio, el vacío, la incomprensión y alienación productos de las sociedades superpobladas, paranoicas y consumistas del extremo oriente. Aquí la narrativa es ciertamente lenta, pero cada elemento captado parece poseer un significado mucho mayor; la intensión, parece ser reencontrar y exaltar los valores más esenciales del hombre, los nexos que lo unen al todo.

Más allá de estas consideraciones, el hecho es que el auge del cine asiático es sin duda un canal importantísimo de diálogo y reconocimiento en el fascinante mundo globalizado que hoy tenemos: es una ventana para conocer y explorar un universo fascinante, complejo; portador de enorme belleza, imaginación, y una profunda y reflexiva visión de los aspectos más esenciales de la condición humana. La mirada oriental bien puede ser la pieza clave del rompecabezas para descifrar la trayectoria del tiempo que vivimos. Sería un riesgo hacer un análisis puntual  de las pocas obras de cine asiático que han llegado hasta mí para describir

Breve filmografía sugerida:

Ishiro Honda: Gojira (godzilla)

Bruce Lee: Operación Dragón (Director Robert Clouse)

Akira Kurosawa: Yojimbo, Rashomon, Ran, Los sueños, Kagemusha.

Takeshi Miike: Ichi the killer, Dead or alive 1 y 2, Audition, Gozu.

Takeshi Kitano: Muñecas.

Kim Ki-Duk: Las estaciones de la vida, La isla, El guardacostas, 3-iron.

Wong Kar-wai: Chungking Express, Deseando amar, Happy Together.

Nigasa Oshima: El imperio de los sentidos, El imperio de la pasión.

Chan-Wook Park: Old boy. Bakjwi

Zhang Yang: El baño.

Pen-ek Ratanaguang: La última vida en el universo.

Shohei Imamura: La balada de Narayama, La anguila.

Hou Hsiao- Hsien: Tiempos de amor, juventud y libertad.

Hayao Miyazaki: El viaje de Chihiro, El increíble castillo Vagabundo, Ponyo en el acantilado

Apichatpong Weerasethakul: El tío Boonmee que se acuerda de sus vidas anteriores

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Luis Buñuel en México

De: Fernando Alarriba

Luis Buñuel es sin lugar a dudas un referente obligado en la cinematografía mundial. Hoy que el cine mexicano nuevamente se posiciona internacionalmente como un referente de calidad y seriedad artística, hacer una revisión de la obra que el genio de Calanda realizó en nuestro país es algo que nos permitirá entender las verdaderas dimensiones de su tarea. Durante la etapa de mayor esplendor del mexicano, la época de Oro (1939-1945) la industria nacional se posicionó en el extranjero  por cintas que exponían una visión costumbrista, melodramática e idílica de la realidad nacional. 

Viridiana 1961

Lejos de ser una opción fuerte, un plan de vida previamente diseñado, la llegada de Buñuel a México en 1946 tuvo el carácter de un salvavidas: ya no era el joven visionario que junto a Salvador Dalí había conmocionado al mundo con las visones surrealistas de Un perro Andaluz (1928) y La Edad de Oro (1931). No logrando encontrar oportunidades en España decide probar suerte en Hollywood para darse cuenta de que ni su gran conocimiento técnico del cine, ni mucho menos su fértil visión artística serían capaces de dar frutos en la tierra de las oportunidades a él y a la familia que comenzaba a formar.   

Los Olvidados 1950

Accidente o destino, Buñuel llegó a México para quedarse. De las 36 películas que forman el total de su obra fílmica, 21 fueron realizadas en el país que llegaría a ser su segunda cuna. Desde las llamadas “películas alimentarias” como Gran Casino, El gran Calavera, La hija del engaño, La joven;  hasta obras mayores como Los Olvidados, Nazarín, Viridiana, El Ángel Exterminador, Simón del Desierto o Él; sus películas mexicanas tenían, en sus propias palabras, una fuerza que jamás habrían conseguido de ser filmadas en España o Francia. Y es que a falta de presupuestos, y con un medio social e ideológico muy desfavorable, la obra mexicana de Buñuel nos invita a explorar y aprender de una visión que fue capaz de superar todo tipo de limitaciones sin comprometer jamás su moral personal y así convertirse en uno de los directores más grandes del séptimo arte y un referente obligado para el cine nacional. 

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David Lynch: El lado oscuro de la experiencia humana

Les dejamos nuestro primer articulo sobre cine.

por: Miguel Mora

“¿Quién mato a Laura Palmer?”, fue la pregunta que yo, al igual que miles de personas, nos hacíamos a mediados de los noventa al ser cautivos de la serie de televisión Twin Peaks, un drama surrealista que se centraba básicamente en la investigación del asesinato de una estudiante de secundaria en una pequeña localidad al este de los Estados Unidos. El gran éxito de este programa se debió en gran parte al guion y dirección del maestro David Lynch.

Gracias a esta serie comencé a buscar más trabajos de este director y me di cuenta que actualmente es considerado uno de los cineastas más influyentes y sus producciones son calificadas como de culto en ciertos grupos.

David Keith Lynch nació en 1946 en una pequeña ciudad del estado de Montana, sus primeros años en esta ciudad influyeron en gran medida la tonalidad urbana que imprime en la mayoría de sus películas. Desde su adolescencia mostro bastante interés en el arte en general y comenzó su búsqueda por encontrar, fuera de los Estados Unidos, un sitio en donde poder expresarse, sin embargo, esta búsqueda fue corta y solo pudo permanecer alrededor de 15 días en Europa.

En 1966 decidió iniciar su carrera cinematográfica y dirigió su primer corto llamado Six men gettin sick, y gracias al moderado éxito de éste, se arriesgó a filmar su segundo corto, The Alphabet.

Ambas producciones lo llevaron a centrar toda su atención exclusivamente al arte cinematográfico, y en 1970 filmó The Grandmother, una película de 30 minutos en donde ya mostró una tendencia, que mantiene hasta la actualidad, de contar historias de una manera nada convencional acompañada siempre por una banda sonora perturbadora.

Su primer largometraje, el film Eraserhead (1971) ha sido considerado como una de las películas más enigmáticas y oscuras de la historia del cine, y la crítica especializada la llamó una obra maestra. Gracias a este empuje, Lynch se colocó inmediatamente a la cabeza de la vanguardia cinematográfica.

De ahí siguieron The Elephant Man (1980), con 8 nominaciones al Oscar, y la adaptación de la novela de ciencia ficción Dune (1984) que significaría su primer fracaso económico en taquilla.

Blue Velvet

En 1986, la cinta Blue Velvet borró el último mal sabor de boca, ya que con esta recibió su segunda nominación al Oscar, pero ahora como mejor director.

A finales de los años ochenta Lynch incursionó en la televisión al colaborar con Mark Frost y escribir el guion de la serie Twin Peaks, misma que poco a poco fue revelándose como un éxito, hasta convertirse en un fenómeno cultural. Gracias a este serial, David Lynch obtuvo una mayor atención de todos los medios de comunicación, sin embargo, desacuerdos creativos con los responsables de la cadena ABC, lo llevaron a retirarse del proyecto al finalizar la primera temporada.

Su siguiente película Lost Highway (1997) recibió opiniones encontradas por parte del público en general y los críticos especializados, pero logró obtener toda la atención de la llamada Generación X gracias al soundtrack de la película, ya que grupos como Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, Rammstein y Marilyn Manson participaban en él.

Mulholland Drive

La cinta Mulholland Drive (2000) fue su crítica personal al lado oscuro de Hollywood, y lo hizo acreedor al premio como mejor director en el festival de Cannes en el año 2001.

A partir del 2002, Lynch  se ha enfocado un poco más a sus seguidores incondicionales y a través de su página web www.DavidLynch.com ha publicado Dumb Land y la serie Rabitts, con material poco accesible para la televisión comercial.

Uno de sus proyectos grabado completamente por técnicas digitales, ha sido la película INLAND EMPIRE (2006), una cinta con tintes de pesadilla e historia retorcida presenta distintas tramas argumentales sin aclararle nunca al público la relación entre ellas, y que ha sido descrita por el mismo Lynch como “un misterio acerca de una mujer metida en grandes dificultades”.

Toda la propuesta de David Lynch nunca ha sido material fácil de digerir y exige del espectador un esfuerzo intelectual, siempre rodeada de fuertes impresiones y controversia, así como de un sonido envolvente y bastante trabajado.

 La mejor manera de explicar el trabajo de Lynch es invitándote a conocerlo y crearte tu propio criterio, pero una cosa es verdad, te aseguro que no quedaras indiferente ante su arte. 

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